Ropa con tecnología

Lucía Torres

Para hablar de tecnología hay que entender que es un proceso bastante complicado por la manera en que es determinado por la ciencia, la ingeniería e incluso el contexto social en donde se desarrolla. En un inicio la tecnología era concebida como el simple desarrollo técnico de sistemas físicos, sin embargo en el transcurso del tiempo nos hemos percatado de que dicha actividad cambia radicalmente de postura según el lugar en que se encuentra. Por ejemplo, en el mundo occidental utilizar construcciones de vivienda en donde los techos se convierten en un jardín extenso, es ahora un proyecto reconocido como vanguardista, aunque si observamos a distintas comunidades africanas que han construido tradicionalmente sus hogares con barro de diversas tierras y en cuyos techos por consecuencia crecen muchas especies de plantas diversas; pensaríamos que no es en absoluto una tecnología nueva. Sin embargo es considerada de esta forma por el contexto en que se desarrollan éstos nuevos edificios, es decir en ciudades grandes, con materiales de construcción, sistemas de agua ecológicos, etc. Lo cual implica procesos científicos, como la química de los materiales, las proporciones de la arquitectura, por lo cual es considerado tecnología.

Es así, como en el diseño de prendas se ha reflejado también ésta tendencia, y un gran número de diseñadores optan por generar nuevas propuestas que enlazan la moda con la tecnología. Éste es el caso de dos diseñadores: Hussein Chalayan y Manuel Torres, que veremos mas adelante.

Hussein Chalayan, es definitivamente un referente para hablar sobre la ropa tecnológica, desde sus inicios se vio atraído por este rubro, implicando procesos sencillos como enterrar las prendas en la tierra antes de mostrarlas, para dar a conocer un tema referente a su pasarela. Con el paso de las colecciones éste diseñador ha logrado prendas con funciones que parecieran de una película de ciencia ficción, por sus aplicaciones animatrónicas.

La animatrónica es una técnica que, mediante el uso de mecanismos de ingeniería como la robótica, simula un aspecto y/o movimiento de los seres vivos. Para la colección Primavera-Verano 2007, Hussein presentó una serie de prendas con dispositivos eléctricos bajo la premisa de juntar dos conceptos aparentemente distantes: los diferentes tipos de vestimenta en los últimos 100 años, con los atisbos de una tecnología futurista.

De esta manera logra técnicamente el objetivo animatrónico. Estas prendas alimentadas con energía solar, se quitaban solas, se transformaban en otras prendas o incluso prendían simulando una lámpara humana.

Vestido se transforma para dar la silueta de los 50´s

Estructura interna de un vestido animatrónico.

El segundo diseñador: Manuel Torres. Es bastante reciente en el mundo de la moda, aunque su característica principal es la de un creador con herramientas científicas para desarrollar es producto que lo define y coloca en la mira como vanguardista.

Éste diseñador junto con el ingeniero químico; Paul Luckham, profesor del Departamento de Ingeniería Química del Colegio Imperial de Londres, diseñaron un spray con el cual literalmente te puedes vestir sin necesidad de hacer costuras en la prenda y con la tranquilidad de saber que es resistente.

Este spray funciona con diversos polímeros que son diluidos en un solvente que permite que sean rociados de manera líquida y se aglomeren sobre la forma en la que fueron colocados. De manera que forman un aglomerado como el fieltro sólo que esta vez sobre una base que al ser un maniquí puede provocar prendas entalladas que no ocupan costuras ni habilitaciones.

Esta técnica es bastante reciente y el diseñador asegura que tendrá repercusiones es el mundo de la medicina y otros rubros.

Manuel Torres rociando el aglomerado textil sobre la modelo

El material es resistente, puede ser lavado y estirado.

Diseño comercial

De la misma manera en que algunos de los diseñadores que hemos revisado combinan elementos de tendencia con un tema para crear sus colecciones, existen otros diseñadores que toman cierta prioridad por la característica comercial de sus productos.

Si bien todas las líneas de ropa (por mas conceptuales que sean) son susceptibles de ser comercializadas, existen por su naturaleza aquellas líneas que son concebidas con el interés de resolver una necesidad muy específica con el estilo característico de ciertas firmas. De manera, que si el diseño es una herramienta de comunicación, éstos productos son una forma muy concreta de relacionarse con un grupo de personas que seguramente recibirán el objeto.

Por ejemplo en el caso de la diseñadora española Agatha Ruiz de la Prada, que una vez caracterizado su estilo de diseño con símbolos sencillos y comunes (como corazones, estrellas, flores), de colores brillantes y temas ligeros; ha desarrollado una identidad de marca tan fuerte que le permite extender sus líneas de productos hacia receptores que fueran inimaginados para una diseñadora dirigida a ropa de dama.

Diseño de Agatha para niñas

Como es el caso de sus líneas de: muebles para interiores de niñas, útiles escolares, accesorios para ciclistas, artículos de cocina, fundas de celular, entre otros. Ella resuelve necesidades concretas como un plato y por medio de estampados, colores y sus figuras emblemáticas genera un producto con el que sus consumidoras seguramente se sentirán identificadas.

Cascos para ciclistas al estilo de Agatha

línea de mochilas para niñas

Otro caso interesante es el de un diseñador japonés, Motonari Ono, quien al adentrarse en la subcultura de las lolitas, que retoma la estética de caricaturas japonesas en que las protagonistas son presentadas como jovencitas con vestimentas infantiles aunque sensuales a la vez. Es muy popular sobre todo en China y japón, y es el público que éste diseñador tomó para desarrollar lo que es un estilo personal de diseño. De manera que sus prendas sin ser los disfraces comunes de telas toscas con zapatos de niña, son una buena reinterpretación que retoma las tendencias internacionales de moda y genera una alternativa para las chicas que simpatizan con dicho estilo de vida sin embargo no van a estar disfrazadas todas las actividades de su vida.

Fotografía de lolitas en tokio

Para lo cual retoma los olanes, las pecheras, los cabellos con gran volumen, los materiales como el tul que proporciona una silueta de vestido infantil, y con ellos genera una alternativa de venta para un público cautivo.

En estos diseños se observan los moños,

faldas con volumen, escotes y zapatos que refieren a su público.

Diseño de la última pasarela de Ono en Tokio.

El tercer y último caso que tomaré como ejemplo es el de la marca mexicana de accesorios para dama llamada: Caro accesorios. Esta marca fundada por la diseñadora Carolina Naranjo, está anclada en una de las tendencias mas importantes de la moda, que es la que refiere a un estilo de vida en contacto con la naturaleza y que po lo tanto genera productos con materias primas orgánicas, naturales, etc.

De ésta forma y sin olvidar al público a quien se dirige, ésta marca es una exitosa prueba de lo que puede hacer un buen análisis de mercado y los elementos indicados de diseño. Además dicha marca ha sido reconocida a nivel nacional por contribuir a la publicidad de estado de Tabasco, de donde es originaria.

Las siguientes fotografías forman parte del look book de la temporada primavera-verano de Caro accesorios.

Look book de la temporada primavera-verano de Caro accesorios

Lucía Torres

El concepto en la moda

Lucía Torres

Resulta evidente al hablar de la moda, distinguir aquello que se ha generalizado como una imagen frívola, de un culto a la superficialidad sin tomar mayor cuenta de los procesos que yacen bajo el caparazón. La manera en que se ha adoptado el “mundo de la moda” en el imaginario social, impide en ocasiones hacer un trabajo de reflexión sobre las interrogantes que se esconden detrás de la vestimenta, mismas que nos ayudarían a tener un conocimiento mas profundo sobre nuestras cualidades humanas.

Los procesos que son necesarios para conseguir el producto final: las técnicas, la teorìa conceptual del diseño, la maquinaria, la elaboración de materias primas, los insumos, la comercialización, son apenas algunas de las actividades implícitas en el desarrollo de un producto, que absolutamente todos lo seres humanos (o la gran mayoría) utilizamos para cubrirnos si, de la intemperie; pero sobre todo para relacionarnos e identificarnos.

En este caso tomaré tan solo una de éstas actividades, para dar apenas un esbozo del complicado engranaje que simboliza para nuestra época el desarrollo de prendas. Ésta categoría es la del concepto, como la herramienta con que algunos diseñadores desarrollan colecciones memorables y por lo tanto definen la característica postmoderna de nuestra época. Para lo cual veremos las colecciones de tres firmas de moda que se encuentran en la elite que genera tendencias por lo novedoso de sus conclusiones. Estas son: Jean Paul Gaultier, Balmain y Jason Wu.

Jean Paul Gaultier, ha florecido su identidad francesa en el estilo tan peculiar que tiene para realizar ropa, inundado de sensualidad, como ícono de la moda andrógina ha desarrollado el vestuario para figuras emblemáticas de la música como Madonna y Lady Gaga. El busto icónico, los corsettes estructurados, el punk y las expresiones culturales son algunos de los referentes importantes para hablar de estilo de éste diseñador, que para la colección Primavera-Verano 2011, tomó dos conceptos como punto de partida: El can-can y el punk.

Prenda de la colección Jean Paul Gaultier Otoño- Invierno 2011

Estos dos, convergen en el hecho de que ambos simbolizan un movimiento artístico-cultural que se desarrollo como una alternativa a las convenciones tradicionales de la época. Ambos tienen una carga sexual muy fuerte y refieren las características de una mujer de gran carácter.

Para materializar el punk en una linea de lujo para dama, Gaultier tomó como módulos tiras envolventes que se asemejan a los desgarrados de las prendas punk así como la combinación de diversas texturas, ya sea táctiles o de estampados, los colores violentos, así como el mohak que literalmente adornaba los peinados de las modelos.

De la misma forma con el can-can, utilizó sedas satinadas con colores rojizos que desvanecían en negro, prendas con olanes que simulan faldas can-can así como el tul, y corsettes de corazón.

Vestido con corsette de corazón. La textura del estampado

contrasta con la de la piel en los guantes

El estampado del interior de la falda emula los bailes de can-can

Por otro lado en la firma, Balmain, dirigida por Christophe Decarnin, la colección de Otoño-Invierno 2011, está dirigida a partir de la estética del “Glam Rock”, conservando el característico estilo de elegancia y clase que conserva esta marca.

Para lograr lo anterior, Decarnin tomó el brillo característico del rock de los 80´s convirtiéndolo en una valiosa aplicación de cristales y metales creando piezas ambivalentes en términos de la elegancia clásica y la desfachatez rockera.

Con el cabello desalineado, hombreras estructuradas y completos de color negro que recuerdan al legendario grupo “Kiss”, circularon en la pasarela otros elementos propios del tema como son las grecas, el descubrimiento del pecho generando un punto focal, los colores (negro, blanco, plateado y dorado), las botas y playeras sin mangas que ayudaron al diseñador a reconstruir tan peculiar época del espectáculo musical.

Completo negro con grecas que recuerda al vestuario de Kiss

Saco con hombros estructurados

Completo con aplicaciones de cristal

El último diseñador: Jason Wu, ha sido reconocido primordialmente por su trabajo al diseñar la vestimenta de Michelle Obama, lo cual lo ha señalado como un creador de límites precisos y estética clásica. Sin embargo para su colección Otoño-Invierno 2011, éste joven diseñador norteamericano ha presentado una serie de prendas que significan un parte aguas en su carrera al trabajar bajo un concepto sólido y distinguible dejando en segundo término el buen gusto.

“Cuando el barroco se encuentra con la ropa deportiva” escribió un reportero de la página Style.com, al hablar de la forma en que Wu relacionó su concepto (la remodelación del palacio de Versalles) con las tendencias y su estilo personal sin perder ninguna en el trayecto.

Utilizando algunos elementos clásicos en el Barroco como los antifaces o el volumen en las caderas que simula un guarda infante y gorgueras, Wu combina además bordados en plata, estampados con motivos pequeños, encaje, cortes y aplicaciones en pico que recuerdan los cortes de un corsette, y diversos acabados a mano que generan la sensación de un espacio ornamentado, pero sin perder el equilibrio que le caracteriza.

Los estampados con motivos pequeños como

los que se utilizaban en la época Barroca

La aplicación de la gorguera en un atuendo

El antifaz hacho con encaje

y las aplicaciones de pedrería en el atuendo

Binomio Arte-Diseño

Lucía Torres

A diferencia del arte, en el diseño se crea no sólo basándose en una idea estética (que termina siendo muy personal) para la contemplación, es decir (y sobre todo hablando del diseño de prendas) que en el quehacer del diseñador, el producto final debe cumplir exigencias prácticas y por lo tanto ser; cómodo, producible, distribuible, perceptible, funcional, etc.

Bajo ésta disociación entre arte y diseño las piezas susceptibles a ser analizadas serían fácilmente agrupadas. Sin embargo, las manifestaciones tan diversas tanto en el arte como (en éste caso) las pasarelas parecen llegar a un punto en que por ser tan cercanas no se alcanza de pronto a limitarlas como objetos únicamente de arte o de diseño.

Tal es el caso de una cierta variedad de diseñadores que al trabajar bajo un concepto predeterminado, impregnan sus colecciones de una postura personal sobre dicho tema o incluso la vida misma, es decir que expresan su personalidad y su visión del mundo a través de un objeto, de una manera tan peculiar que generan prendas únicas. A las que en numerosas ocasiones hemos llamado “obras de arte”.

Para algunas personas el arte es una capacidad humana de trascender, de reconocer una cualidad en el interior del hombre que persiste aún pasadas las épocas. Por ejemplo la música clásica, el arte Renacentista, el ballet, junto a lista de innumerables expresiones que desde su época hasta el tiempo en curso siguen moviendo las sensaciones de quienes somos espectadores de su belleza.

De igual forma en el diseño de prendas han surgido creaciones que al entender en un contexto determinado, una característica intrínseca de la concepción incluso corporal del individuo han logrado la inmortalidad. Como en el caso de Christian Dior, quien en la década de los 50´s, apareciera con el afamado “Dior´s new look”, que al cambiar las proporciones de tela entre cintura y cadera, delineó la silueta de tal forma que todas las mujeres podrían lucir acinturadas. Con ello, éste diseñador marcó el inició del auge de la moda como tal, generando una popularidad que incluso ahora se define por la historia del vestido como el estilo de esa época. No había mujer que no tuviera en su armario una prenda de éste “look”.

"Dior´s new look"

Si observamos en la actualidad las prendas que desfilan en las semanas de la moda, podremos encontrar de igual forma objetos que por el desarrollo de su hechura, así como la manera en que fueron concebidos pueden ser considerados piezas de arte.

Analizaré dos diseñadores contemporáneos, el primero Lie Sang Bong, originario de Corea, quien trabaja a partir de conceptos que desarrolla en cada una de sus colecciones de una manera espectacular. Los temas de artesanía, culturas, arte y paisajes son los mas frecuentes de su carrera. En la colección de Otoño-Invierno 2009, éste disañador presentó en la semana de la moda en París, una colección que tenía como concepto el arte Senshi, que es elaborado de manera ancestral en China y consiste básicamente en imágenes logradas utilizando dos hojas de papel, una que está cuidadosamente cortada y la otra que debajo crea en contraste necesario para percibir la obra.

En dicha pasarela desfilaron prendas de piel cortadas a láser y armadas con una limpieza que es digna de admiración. Sin duda, lo que Lie ofrece al mundo “occidental” es una mirada estética muy peculiar en Asia, aunque es también una artesanía en la construcción y una delicadeza en los detalles que genera una especie de gigantez en la obra.

Pieza de arte Senshi

Pasarela Otoño-Invierno 2009

Prenda inspirada en el arte Senshi

El otro diseñador es Gareth Pugh, un jóven inglés que ha logrado posicionar una estética propia en el gremio de la moda. Con un estilo bastante teatral y gótico, éste diseñador confiesa no trabajar con un concepto en específico al realizar sus colecciones. En ocasiones incluso ha bromeado al decir que se entretiene escuchando las interpretaciones que hacen los críticos sobre sus diseños, cuando el procede mas como un artista que como un diseñador. Las siluetas y los materiales que utiliza se enfocan en un deseo personal de expresarse y de compartir su forma de ver el mundo. Es el mundo Gareth y nosotros somos invitados a ser testigos de sus personajes.

Con esta aparente falta de discurso lo que realmente marca Gareth, es un grupo de diseñadores que saliéndose de las convenciones estipuladas para crear, sugieren una postura un tanto postmoderna al reconocerse como individuos aislados, con una estética que difiere al resto. Una nueva visión individualista, que además fija la mirada en un diseño futurista lejos de recapitular como muchos otros las pasadas décadas o corrientes artísticas.

Lo anterior se ejemplifica en su mas reciente colección Otoño-Invierno 2011 (fotografías tomadas de style.com), en donde hace un vuelco hacia prendas un poco mas comerciales lo cual para su estilo es un riesgo, que sin embargo corre con la premisa de indagar cada vez mas en las prendas.

Diseños de Gareth Pugh

Colección Otoño-Invierno 2011

Tavi Gevinson. Una visión refrescada de la moda

Lucía Torres

Tavi en diferentes publicaciones de su blog.

La moda, ese suceso generalizado que te encuentra en casi cualquier rincón del mundo, que se maquila en grandes proporciones y después se copia y se copia y se copia hasta el punto de formar una especie de uniforme que llevan millones y millones de personas, hasta ridiculizarlo, es una dinámica compleja que envuelve el trabajo de numerosas personas.

En la industria del vestido, los grandes diseñadores lanzan propuestas innovadoras con la pretensión de lograr convertirse en moda, al menos alguno de sus diseños lo hará con la ayuda de publicidad, mercadotecnia, medios de comunicación y críticas. Estas últimas están por lo general ligadas a las necesidades y alcances de la producción, de manera que no se posiciona una prenda que sea imposible de maquilar a gran escala, si no se tienen las materias primas necesarias o si su costo de producción es muy alto. Esto puede ocasionar que dichas críticas sean de alguna manera predecibles o enredadas en intereses económicos y hasta políticos (uso de pieles, polímeros, etc.)

La ausencia de dichos intereses en los escritos de Tavi Gevinson le conceden el punto mas significativo de su quehacer. Para muchos denota su incapacidad de escribir para las consolidadas grandes revistas de moda, cuando por el contrario para otra gran cantidad de interesados en el tema, brinda una mirada fresca fuera de los límites del prejuicio.

Sucede que a los 13 años de edad, ésta pequeña escritora se convirtió en todo un fenómeno al publicar un blog titulado Style Rockie, en el cual hace crítica a diferentes acontecimientos relacionados con la moda, como pasarelas, películas, fiestas, sitios web, entre otros. También lleva una especie de bitácora de su peculiar estilo de vestir, en el que se muestra desenfadada, un tanto grunge y retando a las convenciones del gremio en cuanto a buen gusto.

Tavi, relata de una manera sencilla y cotidiana sus análisis, haciendo referencias que nos permiten observar el conocimiento previo que ha generado para sus escritos. De forma que retrata el contexto de una adolescente de un suburbio de Chicago que sin tener los grandes recursos, ha logrado involucrarse después de dos años de trabajo constante a la elite mas pequeña de la moda, en donde ha convivido con personajes como Karl Lagerfeld, Anne WIntour, Jonh Galliano, Marc Jacobs y realizado colaboraciones con Rodarte y otros grupos de música para realizar el estilismo en sus videos.

Lo que la pequeña Gevinson ofrece al mundo de la crítica de moda, está mas orientado a comprender las tendencias de los jóvenes que a dar consejos sobre prendas pre-analizadas para su buena producción. Ella simboliza una generación de adolescentes que se escapa de los tradicionales patrones de conducta y que como público tiene un valor indescriptible.

Muchas han sido las dudas incluso de su autoría al redactar, ya que la lucidez que presenta es muy poco común para una persona de su edad. Sin embargo ella ha demostrado en numerosas ocasiones estar al nivel de lo que se requiere en la industria, revalorizando un papel como el suyo, es decir una mirada desprovista de intereses económicos y con el simple interés en las propuestas novedosas y las estéticas poco comunes en lo referente a las prendas.

Gevinson a los 14 años.

Tavi con Anne Wintour editora de la revista Vogue Estados Unidos

El discurso de Lagerfeld.

Lucía Torres

Karl Lagerfeld, el director de arte de la firma Chanel desde 1983, ha revolucionado el ya tradicional “Chanel suit” llevándolo a contextos inconcebibles anteriormente, por ejemplo le ha agregado leggins al traje sastre, ha colocado la doble “C” en botas para motociclista e incluso realizó una colección en que incluía ropa deportiva, lo cual habría sido casi imposible a no ser por el contexto y la forma en que lo realizara éste diseñador.

Algo que Karl Laagerfeld tiene por demás claro, es el comportamiento del mercado actual y sobre todo la claridad de que, el público al que éste se dirige procede de manera posmoderna, en donde romper con las convenciones sociales y los estereotipos le brindaría éxito en sus campañas. Y así ha sido, Karl formó un lazo con un fuerte número de jóvenes interesados en la moda (entendida como una propuesta exclusiva que se convierte en el anhelo de la mayoría de la población), por medio de un discurso que al tiempo que rompe con los tradicionales modales de ésta elite, alberga el sentido mas profundo de la identidad de la marca, al ofrecer propuestas innovadoras con un estilo genuino de sensualidad, poder y estética.

Sin embargo el trabajo para construir éste diálogo con los jóvenes implicó para Lagerfeld una serie de propósitos que siguen marcando hasta la fecha su personalidad en el diseño. Si algo tiene claro éste diseñador es que la retórica se expresa en diferentes niveles. La congruencia en el discurso independientemente de su naturaleza ética (como se verá mas adelante) es indispensable.

A sus ahora 73 años puede comunicarse con su público a través de lo icónico de sus prendas, que forman imágenes complejas basadas en algún concepto en particular y qeu a su vez es aterrizado a un cliente generalizado con un estilo de vida y cierto poder adquisitivo. La genialidad con que ha desarrollado este trabajo a lo largo de su estancia en Chanel es indiscutible. Sin embargo como jefe de una de las firmas mas legendarias en el mundo de la moda, otros registros son tan importantes para comunicarse.

De manera que al expresarse verbalmente en entrevistas y comunicados, el diseñador es por lo general frío y conciso. Aclara el punto y se retira, en una forma de ser cortés sin entregarse por completo. Su léxico deja un eco, para quienes analizamos las prendas, pasarelas, etc. Sin embargo su acústica revela la exclusividad de su tiempo y por lo tanto de sus productos. La música que ocupa por ejemplo en sus pasarelas, revela una personalidad artística en contacto con los mas diversos géneros. Una ocasión puede ser música electrónica, otra jazz, rock, clásica, pareciera que no tiene límites.

En su quinésica dicho diseñador enfrentó una transformación verdaderamente memorable, al perder 42 kilos en un año sometiéndose a una dieta hipocalórica, en donde comió sobre todo verduras, pescado, pollo, refresco de dieta y un suplemento proteínico. Por mucho que dicha dieta sea nada saludable y que incluso a algunos de nosotros nos parezca éticamente inaceptable para él reconocerla y compartirla, el cambio físico es ineludible y su actual imagen es coherente con el mercado al que se dirige, mismo que no se ve afectado por los medios en que Karl logró su actual apariencia.

Karl Lagerfeld antes de comenzar la dieta

Uno de los ejemplos mas claros sobre la compleja retórica en Lagerfeld son los numerosos cortometrajes que ha realizado a partir de sus colecciones. Derrochando presupuesto, con calidad cinematográfica, emula un estilo de vida como en un nicho de fantasía que envuelve a sus consumidoras por la limpieza del discurso. La exclusividad fundamentada en una elegancia avant garde (con una propuesta diferente, innovadora), que éste ofrece de manera congruente como se ha analizado; es abrazada por su público temporada tras temporada.

Filmación del último corto de 30 min. "A tale of a fairy"

Lagerfeld en la filmación: "The tale of a fairy"

Para la publicidad de la colección: Crucero 2012

La dualidad en el diseño de modas.

Lucía Torres

Para la realización de una pieza, producto del diseño de prendas, textiles, accesorios, etc. los diseñadores nos enfrentamos a distintas variables cuyas soluciones determinan el estilo que tomará la pieza terminada y que en diversas maneras nos revela como individuos. Dicha pieza, conjuga sobre todo un concepto que comunica en ocasiones de manera evidente y en otras (las mas brillantes) de modo sutil, enlazando lo abstracto a un producto concreto sin aparente relación.

Concepto - objeto, es una danza de contrarios que están; uno constantemente a merced del otro dentro del diseño de modas. Muchas veces el producto, por cuestiones prácticas debe moldearse de tal o cual forma que en apariencia podría contraponerse al tema que se desarrolla, sin embargo es el diseñador quien debe trabajar con los elementos de manera que se comuniquen armónicamente para generar la estética del concepto.

Si ésta dupla falla, se percibe su ausencia. Si está presente, encierra una atmósfera que descubre al individuo tras del diseñador; que coloca en la superficie aquello que está bajo la hendidura. Es una cuestión de personalidad, que toca incluso las nociones de bondad y maldad que yacen en la consciencia del creativo: de su ética.

Sobra decir que los caminos que cada individuo toma para llegar a dicha comunicación son infinitamente disímiles, en mi opinión ahí radica lo artístico del diseño. En ese lugar en que, consciente o inconscientemente los diseñadores plagamos de nuestra visión al objeto que estamos creando. A pesar de querer lograr una impresión en el otro, hay una parte de quien crea ropa que libremente se expresa.

La dualidad como una contradicción.

Lee, el hijo talentoso de un taxista, que logró ingresar a la elite mas pequeña de la industria del vestido, no sólo conocía la dualidad intrínseca en la creación de prendas, además la exprimía para preparar las mas exquisitas colecciones. Extendió los límites de la creatividad en la moda, tocando temas tabú y formando un discurso icónico de la sociedad actual.

Sobre este tema Alexander Lee McQueen comentó en el 2003 para la editorial Taschen, que su noción de belleza era la de una imagen que combinaba tanto “opuestas como inusuales estéticas”. Ahora, a ocho años de diferencia pareciese como si éste se hubiera valido de las contradicciones como punto focal de su identidad creativa.

Pasarela de Alexander McQueen Primavera-Verano 2002

Bajo el concepto de las corridas de toros.

Pasarela de Alexander McQueen Otoño-Invierno 2003

Bajo el concepto de la violencia en los romanos.

La violencia, la seducción, la muerte, la homosexualidad, la monarquía, la guerra, eran los temas en torno a los que trabajaba. Sin embargo su marca se dirigía a consumidores actuales, reales con el poder de discernir entre una gran variedad de líneas, e inclinarse por aquella que presentase una estética única. El movimiento del gremio de la moda; como las tendencias mundiales, la producción en masas, la publicidad, entre otros (con que tanto parecía molestarse) eran también un elemento que McQueen agregaba a sus bocetos. Si se observa desde este ángulo: de verdad que la moda tiene mucho de ambigua.

Cuando los Hooligans se convierten en dioses hindús.

Cuando en Burnley Inglaterra, un grupo de jóvenes aficionados al fútbol mata por accidente a un niño de la comunidad Hindú de la zona, varios de sus integrantes sufren una transformación profunda que les lleva a buscar a deidades de dicha cultura e intentar conectar con ellas para alcanzar la redención.

Este acontecimiento despertó en Aitor Throup tal interés que lo convirtió en el tema de la colección con que se titulara de la Lincenciatura. La dualidad en la naturaleza humana y en específico la ambivalencia ética inmersa en éstos hombres fue para él un tránsito hacia una metamorfosis digna de las fantasías mas extrañas. Con prendas que muestran extremidades de animales, como el elefante y el tigre, así como otras piezas tridimensionales en que esculpe con textil cráneos que simbolizan la muerte.

Con toda la carga de violencia que tuvo éste suceso, Throup desplegó las nociones mas esperanzadoras e incluso estéticamente orgánicas, siendo fiel a su identidad como diseñador inclinado a las figuras anatómicas como eran percibidas en el Renacimiento por Leonardo Da Vinci y Andreas Vesalius.

Sus diseños muestran la naturaleza humana como un amplio espectro de imágenes que combinan todo tipo de morales y por lo tanto de estéticas. Su tendencia como diseñador se inclina aparentemente hacia la la parte mas lúgubre del hombre, sin embargo la indudable belleza de sus piezas nos reitera la complejidad y constante transformación de la que somos presa constantemente.

Diseño de Aitor Throup en Pasarela

Bocetos de las prendas inspiradas en el suceso de los hooligans